Ellos son los mejores
Como en cualquier disciplina, cada cierto tiempo ciertos inviduos sobresalen en sus campos para cambiarlos para siempre.
Son distintos, atrevidos e irreverentes en sus fotografías; poseedores de un genialidad creativa y periodística.
Poseen una sensibilidad especial para sentir los males de la humanidad, y una habilidad especial para captar el sentimiento y plasmarlo en una fotografía capaz de representar 'la realidad del momento' eternamente.
La siguiente es una desordenada lista de los mejores fotógrafos que, tarde o temprano, se han dedicado al fotoperiodismo.
Son distintos, atrevidos e irreverentes en sus fotografías; poseedores de un genialidad creativa y periodística.
Poseen una sensibilidad especial para sentir los males de la humanidad, y una habilidad especial para captar el sentimiento y plasmarlo en una fotografía capaz de representar 'la realidad del momento' eternamente.
La siguiente es una desordenada lista de los mejores fotógrafos que, tarde o temprano, se han dedicado al fotoperiodismo.
Robert Capa
"No es suficiente con tener talento. También necesitas ser húngaro"- bromeaba Capa-.
Robert Capa, seudónimo de Endre Ernö Friedmann, es el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX. Nacido el 22 de octubre de 1913 en Budapest, Hungría, el joven Endré se vio obligado a salir de su país natal por la terrible situación política con la imposición de un gobierno fascista en Hungría.
Viaja a Alemania y después a Francia, en donde conoce a Gerda Taro, una fotógrafa alemana que acabaría siendo su novia. Juntos, inventan el personaje de un supuesto fotógrafo americano llamado Robert Capa. Dicho seudónimo era utilizado indistintamente por ambos; hecho que constituye la base de la polémica sobre quién de los dos tomó en realidad algunas de sus fotografías más relevantes.
Al estallar la Guerra Civil en España, Capa y Taro se dirigen a Madrid para cubrir por completo la guerra, y recorre el país hasta llegar a Barcelona. En Cerro Muriano, en Córdoba, tomó su fotografía mundialmente famosa "Muerte de un Miliciano", un 5 de septiembre de 1936. Reproducida en la mayoría de los libros sobre la Guerra Civil, su autenticidad ha sido puesta en cuestión por diversos expertos.
Desde 1941 hasta el 1945, recorrió Europa para cubrir la Segunda Guerra Mundial. Del desembarco aliado en Normandía, el 6 de junio de 1944; el famoso día D, son clásicas sus fotografías tomadas, junto a los soldados que desembarcaban en la propia playa.
En 1947 creó, junto con los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver y David Seymour, la agencia Magnum Photos, donde Capa realizó un gran trabajo fotográfico, no solo en escenarios de guerra sino también en el mundo artístico, en el que tenía grandes amistades, entre las que se incluían Pablo Picasso, Ernest Hemingway y John Steinbeck.
En 1954, fue llamado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo, mientras acompañaba a una expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó inadvertidamente una mina y murió; terminando así con una azarosa vida, pero sin duda con un artista genio de la fotografía.
"Robert Capa era un comunista, así que lo que hizo fue una obra fotográfica propagandística, eso sí, de un altísimo valor artístico". Stanley George Payne
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Viaja a Alemania y después a Francia, en donde conoce a Gerda Taro, una fotógrafa alemana que acabaría siendo su novia. Juntos, inventan el personaje de un supuesto fotógrafo americano llamado Robert Capa. Dicho seudónimo era utilizado indistintamente por ambos; hecho que constituye la base de la polémica sobre quién de los dos tomó en realidad algunas de sus fotografías más relevantes.
Al estallar la Guerra Civil en España, Capa y Taro se dirigen a Madrid para cubrir por completo la guerra, y recorre el país hasta llegar a Barcelona. En Cerro Muriano, en Córdoba, tomó su fotografía mundialmente famosa "Muerte de un Miliciano", un 5 de septiembre de 1936. Reproducida en la mayoría de los libros sobre la Guerra Civil, su autenticidad ha sido puesta en cuestión por diversos expertos.
Desde 1941 hasta el 1945, recorrió Europa para cubrir la Segunda Guerra Mundial. Del desembarco aliado en Normandía, el 6 de junio de 1944; el famoso día D, son clásicas sus fotografías tomadas, junto a los soldados que desembarcaban en la propia playa.
En 1947 creó, junto con los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver y David Seymour, la agencia Magnum Photos, donde Capa realizó un gran trabajo fotográfico, no solo en escenarios de guerra sino también en el mundo artístico, en el que tenía grandes amistades, entre las que se incluían Pablo Picasso, Ernest Hemingway y John Steinbeck.
En 1954, fue llamado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo, mientras acompañaba a una expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó inadvertidamente una mina y murió; terminando así con una azarosa vida, pero sin duda con un artista genio de la fotografía.
"Robert Capa era un comunista, así que lo que hizo fue una obra fotográfica propagandística, eso sí, de un altísimo valor artístico". Stanley George Payne
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_"Si tus fotos no son lo suficientemente buenas, es que no te has acercado lo suficiente".
Robert Capa
Robert Capa
Henri Cartier-Bresson
_"Fotografiar es colocar la cabeza, el corazón y el ojo en un mismo eje. Es una forma de vida".
Referirse a Cartier-Bresson -facellido el 3 de agosto de 2004- es hacer una pausa en su concepto del "instante decisivo", con el que definió el momento exacto en el que se toma la foto, es decir, cuando "se alinea -en palabras suyas- la cabeza, el ojo y el corazón" para conseguir la instantánea.
Explicaba que de hacer el "clic" una milésima antes o después la fotografía ya no sería igual para modificar. Pero esta tesis, que dio a nombre a uno de los libros de Cartier-Bresson 'El momento decisivo' (1952), desde hace un tiempo se topó con el marasmo actual donde ese instante mágico, según algunos teóricos, ha muerto influida por la fotografía digital, el Photoshop y la democratización de las cámaras.
Mostró una capacidad inusual para la observación, de ahí que saber sobre su obra signifique tanto como conocer una parte de la historia gráfica del siglo XX. Su fotografías se ha convertido además en objeto de estudio para los futuros fotógrafos de la sociedad globalizada.
Fue cofundador de la agencia Magnum.
A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto "Che" Guevara.
Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo».
Falleció el 3 de agosto de 2004 en Montjustin, al suroeste de Francia.
Explicaba que de hacer el "clic" una milésima antes o después la fotografía ya no sería igual para modificar. Pero esta tesis, que dio a nombre a uno de los libros de Cartier-Bresson 'El momento decisivo' (1952), desde hace un tiempo se topó con el marasmo actual donde ese instante mágico, según algunos teóricos, ha muerto influida por la fotografía digital, el Photoshop y la democratización de las cámaras.
Mostró una capacidad inusual para la observación, de ahí que saber sobre su obra signifique tanto como conocer una parte de la historia gráfica del siglo XX. Su fotografías se ha convertido además en objeto de estudio para los futuros fotógrafos de la sociedad globalizada.
Fue cofundador de la agencia Magnum.
A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto "Che" Guevara.
Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo».
Falleció el 3 de agosto de 2004 en Montjustin, al suroeste de Francia.
_"Si te llamas a ti mismo 'artista', nadie te publicará. Di que eres 'fotoperiodista', y después haces lo que tú quieras".
-El consejo que Robert Capa le da a Cartier-Bresson cuando el segundo pensaba hacer fotografías Surrealistas, pero quería seguir viendo sus fotografías publicadas.
-El consejo que Robert Capa le da a Cartier-Bresson cuando el segundo pensaba hacer fotografías Surrealistas, pero quería seguir viendo sus fotografías publicadas.
"La fotografía en sí misma no me interesa. Yo sólo quiero atrapar una mínima fracción de la realidad".
Henri Cartier-Bresson_
Henri Cartier-Bresson_
Robert Frank
Nacido el 9 de noviembre de 1924 en Zúrich, Suiza, Robert Frank es una importante figura estadounidense dentro del ámbito de la fotografía y el cine.
Aunque en un principio era optimista acerca de los Estados Unidos, su perspectiva cambió rápidamente cuando enfrentó el paso rápido de la vida estadounidense y lo que el veía como un énfasis excesivo en el dinero. Desde entonces comenzó a ver los Estados Unidos como un lugar a menudo triste y solitario, una perspectiva que se volvió evidente en sus posteriores trabajos fotográficos.
La propia insatisfacción de Frank con el control excesivo que ejercían sus editores sobre su trabajo también fue un factor determinante en su experiencia.
Frank adquirió una reputación de hombre solitario y reclusivo (particularmente tras la muerte de su hija), rechazando la mayoría de las propuestas para entrevistas y apariciones publicas.
Ha continuado aceptando asignaciones eclécticas como fotógrafo y director de vídeos musicales; continúa realizando filmes así como imágenes, y ha ayudado a organizar varias retrospectivas de su arte.
"Ante todo, se que en la vida de un fotógrafo no puede caber indiferencia.
Es importante observar lo que es invisible para los demás. Quizá una mirada de esperanza o una mirada de tristeza; así como la capacidad de reaccionar en un instante lo que produce una fotografía".
_
"Cuando la gente vea mis fotografías, quiero que se sientan como cuando quieren leer dos veces una línea de un poema".
Robert Frank
Robert Frank
Dorothea Lange
Probablemente ninguna otra cámara haya retratado mejor la situación social de Estados Unidos en los años 30 que la de Dorothea Lange; una influyente fotoperiodista documental, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión".
Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.
Sin embargo, Lange también retrató como nadie el fenómeno de la inmigración en EEUU. Supo capturar el boom que se dio por aquellos años en el país, con el repentino impacto de diversidad racial, además de una nueva pobreza que los americanos experimentaban.
Se convierte así en testigo de esta época, pero a diferencia de Walker Evans, sus personajes ganan en humanidad.
Su obra es un testimonio lleno de compromiso de la imagen más trágica de América.
Su mirada huye de la sensiblería y de la dramatización: surge de un profundo sentimiento humano y de una conciencia social unida a una lucha incansable por la igualdad de la mujer.
Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.
Sin embargo, Lange también retrató como nadie el fenómeno de la inmigración en EEUU. Supo capturar el boom que se dio por aquellos años en el país, con el repentino impacto de diversidad racial, además de una nueva pobreza que los americanos experimentaban.
Se convierte así en testigo de esta época, pero a diferencia de Walker Evans, sus personajes ganan en humanidad.
Su obra es un testimonio lleno de compromiso de la imagen más trágica de América.
Su mirada huye de la sensiblería y de la dramatización: surge de un profundo sentimiento humano y de una conciencia social unida a una lucha incansable por la igualdad de la mujer.
"Cada imagen que él ve, cada fotografía que toma, en cierto sentido se convierte en un autorretrato.
El retrato está hecho principalmente de la intimidad -
una intimidad compartida no sólo con el fotografiado, sino también con la audiencia".
Dorothea Lange
El retrato está hecho principalmente de la intimidad -
una intimidad compartida no sólo con el fotografiado, sino también con la audiencia".
Dorothea Lange
_“No es accidental que el fotógrafo se meta a fotógrafo , como no lo es que el domador de leones se meta a domador.”
Dorothea Lange
Dorothea Lange
James Nachtwey
"Hay un trabajo que tiene que hacerse... capturar la verdad. ¡Quiero que la gente se levante!"
Nacido en Syracuse, Nueva York en 1948, James Natchwey es un reconocido fotoperiodista y fotógrafo de guerra.
En 1980, se mudó a Nueva York y comenzó a trabajar como fotógrafo freelance.
Ha documentado gran variedad de conflictos armados y sociales; recorriendo Sudáfrica, America Latina, Oriente Medio, Rusia, Europa del Este, la antigua Unión Soviética tomando fotos de guerras, conflictos y hambruna, así como imagenes socio-políticas (contaminación, pobreza, castigos y crímenes) en Europa del Este y en Estados Unidos.
Entre muchos otros premios, Natchwey ha ganado la Medalla de Oro 'Robert Capa' en el año 1983, 1984, 1986, 1994 y 1998.
Actualmente vive en la ciudad de Nueva York.
En 1980, se mudó a Nueva York y comenzó a trabajar como fotógrafo freelance.
Ha documentado gran variedad de conflictos armados y sociales; recorriendo Sudáfrica, America Latina, Oriente Medio, Rusia, Europa del Este, la antigua Unión Soviética tomando fotos de guerras, conflictos y hambruna, así como imagenes socio-políticas (contaminación, pobreza, castigos y crímenes) en Europa del Este y en Estados Unidos.
Entre muchos otros premios, Natchwey ha ganado la Medalla de Oro 'Robert Capa' en el año 1983, 1984, 1986, 1994 y 1998.
Actualmente vive en la ciudad de Nueva York.
_“Para mí, la fuerza de la fotografía yace en su abilidad para evocar a nuestra humanidad.
Si la guerra es un intento por negarla,
entonces la fotografía puede percibirse como lo contrario a la guerra.”
James Nachtwey
Si la guerra es un intento por negarla,
entonces la fotografía puede percibirse como lo contrario a la guerra.”
James Nachtwey
Zoriah Miller
_Zoriah Miller es
un galardonado fotoperiodista, en ocasiones de guerra, cuyo trabajo se centra en mostrar
las crisis humanitarias a nivel mundial; desde conflictos sociales,
desastres naturales, desplazados, enfermos terminales, epidemias y las
miserias de las guerras. Ha trabajado para diversas organizaciones como La Cruz Roja Internacional
y prestigiosas publicaciones.
Se valora su trabajo por la ayuda organizaciones sin fines de lucro dedicadas a aplacar el dolor de la humanidad, con su obra contribuye de una manera especial a la paz en el mundo.
Zoriah tiene 32 años, y catorce ejerciendo el fotoperiodismo. Pese a eso, no fue sino hasta el 2005 cuando una fotografía suya, del tsnumi del 2004 que azotó el Oceano Índico, apareció publicada por Newsweek. En el 2006 fue nombrado Fotoperiodista del año por la Morepraxis Organization por su trabajo en Gaza.
En enero de 2010, Miller ganó el Premio al FotoFilántropo Activista del Año por su trabajo para combatir la hambruna en África.
Se valora su trabajo por la ayuda organizaciones sin fines de lucro dedicadas a aplacar el dolor de la humanidad, con su obra contribuye de una manera especial a la paz en el mundo.
Zoriah tiene 32 años, y catorce ejerciendo el fotoperiodismo. Pese a eso, no fue sino hasta el 2005 cuando una fotografía suya, del tsnumi del 2004 que azotó el Oceano Índico, apareció publicada por Newsweek. En el 2006 fue nombrado Fotoperiodista del año por la Morepraxis Organization por su trabajo en Gaza.
En enero de 2010, Miller ganó el Premio al FotoFilántropo Activista del Año por su trabajo para combatir la hambruna en África.
"Espero que mis fotografías logren que la gente piense un poco sobre cómo es la vida de las demás personas.
Es tan fácil quedarnos atrapados en nuestras propias vidas, que olvidamos que hay mucha gente sufriendo en algunas situaciones terribles.
Quiero crear fotografías que impresionen a la gente a un nivel emovional, golpearlos en el nervio para lograr que sientan el dolor.
Si la gente puede conectar con aquellos de mis fotografías, entonces pueden empatizar con ellos. Este tipo de comprensión es el primer paso para cambiar las situaciones que afectan a esta gente". Zoriah
Es tan fácil quedarnos atrapados en nuestras propias vidas, que olvidamos que hay mucha gente sufriendo en algunas situaciones terribles.
Quiero crear fotografías que impresionen a la gente a un nivel emovional, golpearlos en el nervio para lograr que sientan el dolor.
Si la gente puede conectar con aquellos de mis fotografías, entonces pueden empatizar con ellos. Este tipo de comprensión es el primer paso para cambiar las situaciones que afectan a esta gente". Zoriah
Don McCullin
"Observar, ver aquello que los demás no soportan miran es de lo que trata mi vida".
Don McCullin es un fotoperiodista inglés (nacido el 9 de octubre de 1935 en Londres) internacionalmente conocido sobre todo por su fotografía de guerra y por mostrar las capas bajas de la sociedad: parados, pobres y marginados.
Su trabajo llegó a ser considerado tan de gran alcance y evocador que en 1982 el gobierno británico le rechazó para cubrir la guerra de la Malvinas.
En los últimos años se dedica al paisaje, bodegones y retratos:
"Me han manipulado, y yo he manipulado a otros, fotografiando su respuesta al sufrimiento y a la miseria. Soy culpable en ambas direcciones: culpable porque no practico religión alguna, culpable porque podía haber ido a caminar a otro lado, mientras que ese hombre moría del hambre o era asesinado por otro hombre con un arma. Y estoy cansado de la culpa, cansado de decirme: “No maté a ese hombre en esa fotografía, yo no maté de hambre a ese niño.” Por eso busco paisajes y flores en la fotografía. Me estoy condenando a mí mismo a la paz."
-En 1968, su cámara fotográfica Nikon paró una bala que iba dirigida a él.
Su trabajo llegó a ser considerado tan de gran alcance y evocador que en 1982 el gobierno británico le rechazó para cubrir la guerra de la Malvinas.
En los últimos años se dedica al paisaje, bodegones y retratos:
"Me han manipulado, y yo he manipulado a otros, fotografiando su respuesta al sufrimiento y a la miseria. Soy culpable en ambas direcciones: culpable porque no practico religión alguna, culpable porque podía haber ido a caminar a otro lado, mientras que ese hombre moría del hambre o era asesinado por otro hombre con un arma. Y estoy cansado de la culpa, cansado de decirme: “No maté a ese hombre en esa fotografía, yo no maté de hambre a ese niño.” Por eso busco paisajes y flores en la fotografía. Me estoy condenando a mí mismo a la paz."
-En 1968, su cámara fotográfica Nikon paró una bala que iba dirigida a él.
"Para mí la fotografía no se trata de observar, sino de sentir.
Si no puedes sentir lo que estás viendo,
entonces nunca podrás conseguir que otros sientan algo cuando miren tus fotografías".
Don McCullin
Si no puedes sentir lo que estás viendo,
entonces nunca podrás conseguir que otros sientan algo cuando miren tus fotografías".
Don McCullin
Eugene Richards
Eugene Richards (1944 en Massachusetts, E.U.A.) es uno de los grandes fotoperiodistas de nuestros días. Sus fotos tienen la intención de despertar la conciencia social, caracterizándose por ser muy personales y siendo publicadas en series de libros.
Su segundo libro, “Dorchester Days” (1978) fue con el que Richards se ganó la atención del público. Según él, “es un libro feo y amargo”, que combina lo político con lo personal.
Su libro “Cocaine true, Cocaine blue” es una de las biblias del fotoperiodismo, un trabajo en profundidad sobre la adicción a las drogas en los barrios marginales. Imágenes impactantes que desvelan una implicación personal fuera de lo habitual.
Richards, que reside actualmente en New York, ha sido miembro de la Agencia Magnum y de la Agencia VII.
Su segundo libro, “Dorchester Days” (1978) fue con el que Richards se ganó la atención del público. Según él, “es un libro feo y amargo”, que combina lo político con lo personal.
Su libro “Cocaine true, Cocaine blue” es una de las biblias del fotoperiodismo, un trabajo en profundidad sobre la adicción a las drogas en los barrios marginales. Imágenes impactantes que desvelan una implicación personal fuera de lo habitual.
Richards, que reside actualmente en New York, ha sido miembro de la Agencia Magnum y de la Agencia VII.
"La manera en la que Richards se involucra con la gente a la que fotografía es total,
y es uno de los mejores fotoperiodistas en lograrlo, a menudo con la ayuda de su elocuencia"
Gerry Badger
y es uno de los mejores fotoperiodistas en lograrlo, a menudo con la ayuda de su elocuencia"
Gerry Badger
Luc Delahaye
Luc Delahaye es un fotoperiodista francés que se ha encargado de documentar conflictos, eventos mundiales y problemas sociales.
Sus fotografías están caracterizadas por su personalidad, franqueza y la riqueza de detalles; es un brutal acercamiento documental a la sociedad contrarrestada con su intensidad dramática y estructura narrativa.
En 1994, se unió a la Agencia Magnum y a la Newsweek Magazine (abandonó Magnum en 2004). Como fotógrafo de guerra, se distingió en los años 80s y 90s en Líbano, Afganistán, Yugoslavia, Ruanda y Chechenia.
Delahaye opiena que las fotografías son documentos-monumeDelahaye opina que sus fotografías son documentos de historia inmediata, e invitan a reflexionar "acerca las relaciones entre el arte, la historia y la informacion".
Sus fotografías están caracterizadas por su personalidad, franqueza y la riqueza de detalles; es un brutal acercamiento documental a la sociedad contrarrestada con su intensidad dramática y estructura narrativa.
En 1994, se unió a la Agencia Magnum y a la Newsweek Magazine (abandonó Magnum en 2004). Como fotógrafo de guerra, se distingió en los años 80s y 90s en Líbano, Afganistán, Yugoslavia, Ruanda y Chechenia.
Delahaye opiena que las fotografías son documentos-monumeDelahaye opina que sus fotografías son documentos de historia inmediata, e invitan a reflexionar "acerca las relaciones entre el arte, la historia y la informacion".
_
"Mostrarlas para qué, para cambiar qué, no hay ningún cambio,
puedes fotografiar lo que quieras y no cambiará nada.
Lo máximo que puedes hacer es hacer que la gente se percate qué tan mal estuvo,
pero eso no cambiará la condición de las personas a las que tomas fotos".
Luc Delahaye
puedes fotografiar lo que quieras y no cambiará nada.
Lo máximo que puedes hacer es hacer que la gente se percate qué tan mal estuvo,
pero eso no cambiará la condición de las personas a las que tomas fotos".
Luc Delahaye
William Eugene Smith
W. Eugene Smith, nace en 1918 en Wichita, Kansas (EEUU).
Pese a que inicialmente la fotografía le interesa como instrumento para otros fines, desde muy joven comienza a fotografiar con pasión y publica su primera fotografía en 1934.
_
Después de capturar imágenes de la Segunda Guerra Mundial, trabajó en la American Society of Magazine Photographers, en New York Photo League, en la Agencia Magnum y en algunos otros sitios antes de terminar impartiendo cursos de fotoperiodismo.
En 1970 se instala en Japón, en Minamata, donde trabaja en uno de sus mejores reportajes que muestra las consecuencias de la polución industrial y del envenenamiento por mercurio.
El 15 de octubre de 1978 fallece como consecuencia de una hemorragia cerebral.
Pese a que inicialmente la fotografía le interesa como instrumento para otros fines, desde muy joven comienza a fotografiar con pasión y publica su primera fotografía en 1934.
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Después de capturar imágenes de la Segunda Guerra Mundial, trabajó en la American Society of Magazine Photographers, en New York Photo League, en la Agencia Magnum y en algunos otros sitios antes de terminar impartiendo cursos de fotoperiodismo.
En 1970 se instala en Japón, en Minamata, donde trabaja en uno de sus mejores reportajes que muestra las consecuencias de la polución industrial y del envenenamiento por mercurio.
El 15 de octubre de 1978 fallece como consecuencia de una hemorragia cerebral.
"Aún no encuentro los límites del potencial de la fotografía. Cada horizonte, apenas alcanzado, revala otro misterio a la distancia.
Estoy siempre en el umbral".
Estoy siempre en el umbral".
_"La fotografía es sólo una voz débil, pero a veces, sólo a veces, una o más imágenes pueden dirigir nuestros sentidos hacia la conciencia;
la fotografía induce en ocasiones a emociones tan intensas,
que pueden llegar a reactivar la mente"
William Eugene Smith
la fotografía induce en ocasiones a emociones tan intensas,
que pueden llegar a reactivar la mente"
William Eugene Smith
_Philip Jones Griffiths
_Nacido en 1936 en Rhuddland, Escocia. En 1961 pasó a trabajar freelance para la sede en Londres de
Observadores. Trató el tema de la Guerra de Argelia en 1962, luego se
trasladó a África Central. Desde allí se trasladó a Asia, donde capturó
sus más famosas fotografías en Vietnam de 1966 a 1971.
En 1973, cubrió la guerra de Yom Kippur y luego trabajó en Camboya entre 1973 y 1975.
En 1980, Griffiths se trasladó a Nueva York para asumir la Presidencia de Magnum, cargo que desempeñó durante cinco años.
Su comprometido trabajo lo llevó a más de 120 países.
Trabajó inagotablemente en la documentación de imágenes de historia: en el budismo, en Camboya, las sequías en la India, la pobreza en Texas, la re-ecológica del Vietnam, y el legado de la Guerra del Golfo en Kuwait.
El trabajo de Griffiths es una reflexión sobre la relación desigual entre la tecnología y la humanidad.
El ojo fotógrafico de Griffiths siempre fue atraído hacia las locuras que los seres humanos podemos cometer, pero, fiel a la ética de los fundadores de Magnum, sobre todas estas cosas creyó en la dignidad humana y en su capacidad de mejorar.
En 1973, cubrió la guerra de Yom Kippur y luego trabajó en Camboya entre 1973 y 1975.
En 1980, Griffiths se trasladó a Nueva York para asumir la Presidencia de Magnum, cargo que desempeñó durante cinco años.
Su comprometido trabajo lo llevó a más de 120 países.
Trabajó inagotablemente en la documentación de imágenes de historia: en el budismo, en Camboya, las sequías en la India, la pobreza en Texas, la re-ecológica del Vietnam, y el legado de la Guerra del Golfo en Kuwait.
El trabajo de Griffiths es una reflexión sobre la relación desigual entre la tecnología y la humanidad.
El ojo fotógrafico de Griffiths siempre fue atraído hacia las locuras que los seres humanos podemos cometer, pero, fiel a la ética de los fundadores de Magnum, sobre todas estas cosas creyó en la dignidad humana y en su capacidad de mejorar.
_“Prácticamente toda la sociedad cree en lo que cree, no por
experiencia directa sino por lo que le han informado.
Nosotros, los fotógrafos estamos en una posición privilegiada de la realidad,
salir a descubrir por nosotros mismos, y es por eso que estamos en peligro.
Debido a que estábamos allí.
Vimos lo que pasó.”
Philip Jones Griffiths
Nosotros, los fotógrafos estamos en una posición privilegiada de la realidad,
salir a descubrir por nosotros mismos, y es por eso que estamos en peligro.
Debido a que estábamos allí.
Vimos lo que pasó.”
Philip Jones Griffiths
Mathew Brady
"Un espíritu en mis pies dijo 've', y yo fui." Sobre por qué fotografió la Guerra Civil.
Mathew Brady
(1823-1896) nació de una familia humilde irlandesa, en las proximidades
del lago George de Nueva York. Estudió pintura y aprendió la técnica
del daguerrotipo.
Sus fotografías sobre la Guerra Civil denotan claramente el horror que se vivió, sus fotografías llegaron a ser publicadas diariamente por la prensa.
En 1842 Brady abrió en Nueva York su propio estudio llamado la Galería de Miniaturas Daguerrianas, donde se realizaron una serie de retratos de distinguidas personalidades, destacando a Abraham Lincoln entre otros.
Como fotógrafo oficial de la Guerra de Secesión americana junto a sus ayudantes, viajó con el Ejército de la Unión, trabajando en estudios instalados en vagones.
Desde el 1861 hasta el 1865 fue cubriendo las mayores batallas junto a sus ayudantes, fotografiando incluso al general Lee; también retrató a soldados rasos y suboficiales a los que vendía sus fotografías en formato de tarjeta de visita. Trabajó con cientos de fotógrafos con los que se realizaron unos siete mil negativos; los cuales fueron publicados por bajo la firma de Brady, por lo que muchos de estos fotógrafos quedaron en el olvido.
Al acabar la Guerra se arruinó y se vio forzado a vender las fotografías que tenía de
Siguió haciendo retratos en su pequeños estudio de Washington hasta la década de 1890. Finalmente murió casi invidente en Nueva York en una pobreza absoluta, siendo enterrado en virginia, concretamente en el cementerio de Arlington.
Sus fotografías sobre la Guerra Civil denotan claramente el horror que se vivió, sus fotografías llegaron a ser publicadas diariamente por la prensa.
En 1842 Brady abrió en Nueva York su propio estudio llamado la Galería de Miniaturas Daguerrianas, donde se realizaron una serie de retratos de distinguidas personalidades, destacando a Abraham Lincoln entre otros.
Como fotógrafo oficial de la Guerra de Secesión americana junto a sus ayudantes, viajó con el Ejército de la Unión, trabajando en estudios instalados en vagones.
Desde el 1861 hasta el 1865 fue cubriendo las mayores batallas junto a sus ayudantes, fotografiando incluso al general Lee; también retrató a soldados rasos y suboficiales a los que vendía sus fotografías en formato de tarjeta de visita. Trabajó con cientos de fotógrafos con los que se realizaron unos siete mil negativos; los cuales fueron publicados por bajo la firma de Brady, por lo que muchos de estos fotógrafos quedaron en el olvido.
Al acabar la Guerra se arruinó y se vio forzado a vender las fotografías que tenía de
Siguió haciendo retratos en su pequeños estudio de Washington hasta la década de 1890. Finalmente murió casi invidente en Nueva York en una pobreza absoluta, siendo enterrado en virginia, concretamente en el cementerio de Arlington.
"Los resultados son inciertos incluso para los fotógrafos más experimentados"
Mathew Brady
Mathew Brady
Willy Ronis
"La mayoría de mis fotografías fueron tomadas con la fugacidad del momento, muy rápidamente, al igual que el momento mismo.
Toda la atención se centra en el instante específico, casi demasiado bueno para ser verdad,
que sólo puede desaparecer en el siguiente".
Willy Ronis
Toda la atención se centra en el instante específico, casi demasiado bueno para ser verdad,
que sólo puede desaparecer en el siguiente".
Willy Ronis
"Nunca he buscado lo inesperado, la novedad, lo extraordinario;
sino más bien lo que es más típico de nuestra vida cotidiana.
Voy a buscar a personas que se me parecen,
y el espejo en el que se reflejan estas imágenes es el mismo con el que me veo a mí mismo".
Willy Ronis
sino más bien lo que es más típico de nuestra vida cotidiana.
Voy a buscar a personas que se me parecen,
y el espejo en el que se reflejan estas imágenes es el mismo con el que me veo a mí mismo".
Willy Ronis
_Es conveniente recordar que... muchas de las fotos que estos artistas tomaron no podrían ser captadas
hoy. No por las limitaciones técnicas sino por las de la Justicia.
Muchos de los retratos en blanco y negro de personas anónimas no se
podrían hacer ya, salvo con un permiso previo del retratado, porque las
reglas sociales han cambiado y ello ha llevado a que parte de la
fotografía documental que los fotoperiodistas han abanderado sólo sea posible en la actualidad
en el Tercer Mundo.